Korea

한국학진흥사업단 한국학대형기획총서사업의 지원을 통해

학술총서를 집필하시고 대한민국학술원 우수도서에 선정되신 임태승 연구책임자님의 인터뷰 입니다.

임태승

한국학대형기획총서사업 연구참여자

● 사업명

한국학대형기획총서사업

● 과제명

조선시대 화론(畫論)의 회화미학개념 계보 연구

● 연구수행기관

성균관대학교 (대한민국)

● 연구기간

2023-06-01 ~ 2025-05-31 (24개월)

Q. 한국학진흥사업단 온라인 뉴스레터 독자들을 위해 자기소개를 부탁드립니다.

  안녕하세요. 임태승입니다. 현재 성균관대학교 동아시아학술원 동아시아학과 교수로 재직하면서 유가예술문화콘텐츠연구소장을 맡고 있습니다. 성균관대학교 유학과에서 학부와 석사과정을 마쳤고, 중국 베이징대학교 철학과에서 동양미학을 전공하여 박사학위를 받았습니다. 이후 하버드대학교 옌칭연구소에서 연구했고, 중국 화동사범대학교와 산동대학교 등에서 교수로 재직했던 바 있습니다.

제 연구의 중심은 동아시아 미학과 예술철학입니다. 특히 중국과 한국의 회화·서예를 철학적 관점에서 읽고, 작품에 담긴 미의식과 예술정신이 어떤 개념과 사회적 조건 속에서 형성되는지를 연구해 왔습니다. 최근에는 전통 미학개념의 계보뿐 아니라 예술사회학적 방법을 통해 한국과 동아시아 예술의 고유성과 변화 과정을 밝히는 데 관심을 두고 있습니다.

Q. 선생님의 저서 『조선시대 화론(畫論)의 회화미학개념 계보 연구』가 대한민국학술원 우수도서에 선정되었습니다. 진심으로 축하드립니다. 먼저 이번 선정에 대한 소감과 함께, 이 연구를 시작하게 되신 배경과 계기를 들려주신다면요?

  먼저 이 책을 의미 있게 평가해 주신 데 대해 감사하게 생각합니다. 개인적으로 기쁜 일이기도 하지만, 그보다 조선시대 화론과 동아시아 미학처럼 상대적으로 관심을 덜 받아온 기초 인문학 분야의 연구가 학문적 가치를 인정받았다는 점이 더 뜻깊습니다. 특히 이 책은 한국학중앙연구원의 한국학대형기획총서사업 가운데 한국예술총서의 성과로 나온 것이어서, 장기간 축적한 연구를 한 권의 체계적인 저술로 정리할 기회를 얻었다는 점에서도 의미가 큽니다.

이 연구의 출발점은 제가 오랫동안 해 온 동아시아 미학개념 연구였습니다. 저는 원래 중국미학을 전공했고, 여러 해 동안 동아시아의 미학개념과 원전 자료를 정리해 왔습니다. 그런데 조선의 회화를 공부할수록 작품만 보아서는 설명되지 않는 부분이 많다는 생각이 들었습니다. 조선의 문인 화가들은 단순히 그림을 잘 그리는 사람이 아니라 학자이자 관료였고, 어떤 경우에는 화론가이자 비평가이기도 했습니다. 그들에게 그림은 사물을 사실적으로 재현하는 데 그치지 않고 자신의 철학, 도덕적 이상, 인생관과 정신적 경지를 표현하는 수단이었습니다.

그렇다면 조선 회화를 제대로 이해하려면 그림 자체와 함께 그들이 그림에 대해 남긴 글, 곧 화론을 같이 읽어야 합니다. 화론에는 무엇을 좋은 그림이라고 보았는지, 어떤 정신과 품격을 중시했는지, 어떤 개념으로 작품을 평가했는지가 비교적 분명하게 드러납니다. 그래서 방대한 조선시대 화론에서 미학개념을 추출하고, 그 개념들이 시대에 따라 어떻게 이어지고 달라졌는지를 살펴보면 조선 회화의 정신적 구조를 좀 더 정확하게 복원할 수 있겠다고 생각했습니다. 이 문제의식이 이번 연구와 집필의 직접적인 출발점이었습니다.

Q. 『조선시대 화론(畫論)의 회화미학개념 계보 연구』에서는 조선시대 화론에 나타난 다양한 미학 개념을 추출하고, 개념들 사이의 연결 관계와 발전 과정을 살펴보셨습니다. 이번 연구에서 가장 중점적으로 밝히고자 하신 내용은 무엇인지, 연구의 주요 내용을 소개해 주실 수 있을까요?

  가장 중점적으로 밝히고자 한 것은 ‘조선시대 사람들은 어떤 미학적 언어로 그림을 이해하고 평가했는가’라는 문제입니다. 기존의 회화사 연구는 시대, 작가, 화풍, 장르, 기법 등을 중심으로 매우 많은 성과를 축적해 왔습니다. 저는 여기에 ‘개념의 역사’라는 축을 더하고자 했습니다. 예술작품은 눈에 보이는 형식이지만, 그 형식에 의미를 부여하는 것은 결국 당시 사람들이 공유하던 가치와 개념입니다. 따라서 미학개념의 변화를 추적하면 작품의 외형적 변화뿐 아니라 그 배후의 사유와 미의식이 어떻게 달라졌는지를 함께 볼 수 있습니다.

이를 위해 조선 초기부터 후기까지 문집, 제발, 화평, 화가전 등 여러 형태의 화론 자료를 검토하고, 그 안에서 기(氣), 운(韻), 신(神), 묘(妙), 일(逸), 형사(形似), 사의(寫意), 진경(眞景), 문자향(文字香), 서권기(書卷氣), 고고(高古), 청아(淸雅) 등 회화의 창작과 감상, 품평에 관계하는 개념들을 추출했습니다. 그런 다음 각 개념의 의미와 사용 맥락, 시대적 변화, 다른 개념과의 관계를 살펴보았습니다.

이 과정에서 중요하게 본 것은 조선의 화론을 중국 화론의 단순한 반복으로 볼 것인가, 아니면 수용과 변용의 과정으로 볼 것인가 하는 문제였습니다. 조선 문인들은 중국의 오랜 문인화 전통과 미학개념을 적극적으로 받아들였지만, 그것을 조선의 정치·사회·문화적 조건과 자신의 예술적 경험 속에서 다시 사용했습니다. 특히 후기에는 진경산수와 풍속화처럼 현실과 실제를 중시하는 경향이 나타나는 한편, 문자향·서권기와 같이 전통적인 문인 정신을 더 강하게 강조하는 경향도 함께 나타납니다. 저는 이러한 복합적인 흐름을 개별 작가의 특징으로만 보지 않고, 미학개념의 계보와 변화라는 관점에서 조선 회화미학의 전체적인 지형으로 파악하고자 했습니다.

Q. 선생님께서는 이번 연구에서 예술사회학과 네트워크 분석이라는 연구방법을 활용하셨습니다. 이러한 연구방법을 통해 조선시대 회화와 회화미학개념을 살펴보고자 하신 이유와, 연구 과정에서 새롭게 발견하신 점이 있다면 말씀 부탁드립니다.

  회화는 순수하게 작품 내부의 형식만으로 만들어지는 것이 아닙니다. 누가 그림을 그렸는지, 어떤 교육과 신분적 배경을 지녔는지, 누구와 교류했는지, 어떤 정치·사회·문화적 질서 안에서 작품을 만들고 감상했는지가 모두 예술의 성격에 영향을 줍니다. 특히 조선시대의 주류 회화와 화론을 이끈 문인 사대부는 학자이면서 관료이고, 동시에 창작자·감상자·비평가의 역할을 겸했습니다. 따라서 조선의 문인예술은 작품만 따로 떼어 보기보다 문인이라는 사회집단과 그들이 공유한 가치체계 속에서 보아야 합니다. 예술사회학을 활용한 이유가 여기에 있습니다.

네트워크 분석을 도입한 이유도 비슷합니다. 미학개념은 서로 고립되어 존재하지 않습니다. 하나의 중심 개념에서 여러 파생개념과 연관개념이 생기고, 특정 개념은 다른 개념과 반복적으로 결합하면서 한 시대의 미적 가치체계를 형성합니다. 방대한 화론 자료를 데이터로 정리하고 개념 사이의 연결관계를 살펴보면, 어떤 개념이 중심적인 위치를 차지하는지, 시대에 따라 어떤 개념군이 강화되거나 약화되는지를 보다 구조적으로 볼 수 있습니다. 네트워크 분석은 수치 자체가 결론이라기보다, 복잡한 텍스트 자료에서 관계의 패턴을 발견하고 그것을 다시 역사적·철학적으로 해석하기 위한 보조적 도구로 활용했습니다.

연구 과정에서 다시 확인하게 된 중요한 점은 조선 회화미학이 ‘중국적인 것’과 ‘한국적인 것’을 단순히 둘로 나누어 설명하기 어렵다는 사실입니다. 중국의 개념과 화풍을 깊이 수용하면서도 조선의 현실과 문인사회 안에서 선택과 변용이 계속 일어났습니다. 또한 조선 후기에는 현실의 경관과 생활을 중시하는 사실지향적 흐름과, 고고함·서권기·문자향을 중시하는 전통적 문인화의 가치가 동시에 강화되는 양상이 나타납니다. 서로 모순되어 보이는 두 흐름이 한 시대에 공존한다는 사실은, 조선 회화가 단선적으로 발전한 것이 아니라 여러 가치가 교차하고 경쟁하는 장이었다는 점을 보여줍니다.

Q. 선생님께서는 연구를 통해 조선시대 회화에 나타난 한국미의 원형과 고유성을 밝히고, 나아가 세계 속에서 한국예술이 나아갈 방향을 모색하고자 하셨습니다. 연구를 통해 확인하신 한국미의 고유성과 보편성은 무엇이며, 이러한 전통이 오늘날 한국 예술과 문화에 어떤 의미를 가질 수 있다고 생각하시는지 궁금합니다.

  저는 한국미의 고유성을 외부의 영향과 단절된 ‘순수한 한국적인 것’에서 찾는 것은 적절하지 않다고 생각합니다. 조선의 회화와 미학은 중국의 영향을 매우 깊이 받았고, 많은 개념과 형식도 중국에서 전래되었습니다. 중요한 것은 무엇을 받아들였는가만이 아니라 그것을 어떤 사회와 문화 속에서 선택하고 재해석했는가입니다. 그런 의미에서 한국미의 고유성은 수용과 변용의 과정 속에서 형성된다고 볼 수 있습니다.

조선 회화에서 특히 주목할 수 있는 특징은 예술과 인격, 철학, 도덕적 수양이 매우 긴밀하게 연결되어 있다는 점입니다. 문인들에게 그림은 단순한 장식이나 재현이 아니라 자신이 어떤 사람이 되고자 하는지, 어떤 삶과 정신적 경지를 지향하는지를 드러내는 상징적 행위였습니다. 산수화나 사군자에 자신의 뜻을 담고, 직접적인 언술보다 은유와 비유를 통해 내면의 가치와 태도를 표현한 것도 이러한 예술관과 연결됩니다. 이처럼 예술을 삶과 분리하지 않고 인간의 정신적 형성과 연결한 태도는 조선 회화미학의 중요한 특성이라고 생각합니다.

동시에 이것은 한국에만 한정되는 것이 아니라 상당한 보편성도 지닙니다. 예술은 어느 사회에서나 그 사회의 가치, 제도, 신분구조, 세계관과 관계를 맺으며 발전하고, 외부 문화를 받아들이면서도 자기 방식으로 바꾸어 갑니다. 조선의 사례는 문화의 고유성이 고립에서 생기는 것이 아니라 교류와 변용 속에서 형성될 수 있다는 점을 보여줍니다.

오늘날 한국 예술과 문화에도 이 점은 중요하다고 봅니다. 세계화는 전통의 외형적 소재를 반복하는 것만으로 이루어지지 않습니다. 오히려 우리 예술이 어떤 사유방식과 가치체계를 축적해 왔는지를 정확히 이해하고, 그것을 동시대의 형식과 언어로 새롭게 변용할 때 지속적인 힘을 얻을 수 있습니다. K-Culture와 K-Art의 세계적 확산 역시 결국 자기 전통에 대한 깊은 이해와 외부 문화에 대한 개방적 수용이 함께 이루어질 때 더 오래 지속될 수 있다고 생각합니다.

Q. 질문에 답변해 주셔서 감사드립니다. 마지막으로 온라인 뉴스레터 독자들과 국내외 한국학 연구자들, 그리고 한국학진흥사업단에 한 말씀 부탁드립니다.

  한국학은 문학, 역사, 철학뿐 아니라 예술과 미의식까지 함께 볼 때 훨씬 입체적으로 이해할 수 있다고 생각합니다. 그림 한 점에도 한 시대의 철학과 사회제도, 인간관계, 국제교류, 그리고 사람들이 생각한 아름다움의 기준이 함께 들어 있습니다. 그런 의미에서 예술자료와 화론 같은 텍스트는 한국학의 중요한 자료이면서도 아직 더 많이 활용될 여지가 있습니다.

이번 책은 완결된 결론이라기보다 후속 연구를 위한 하나의 기초 자료이자 방법적 사례가 되었으면 합니다. 방대한 화론에서 미학적 자료를 추출했듯이, 앞으로 다른 연구자들이 같은 자료에서 제도사·사회사·문학사·문화사와 관련된 새로운 문제를 찾아낼 수도 있을 것입니다. 국내외 연구자들이 서로 다른 전공의 방법을 적극적으로 연결하고, 전통 자료를 오늘의 질문으로 다시 읽는 작업을 계속해 주셨으면 합니다. 또한 장기간의 축적이 필요한 순수 인문학과 기초 한국학 연구에도 꾸준한 관심과 지원이 이어지기를 바랍니다. 감사합니다.

※ 본 글에 담긴 견해는 저자의 개인적인 의견이며, 한국학진흥사업단의 공식 입장이 아님을 밝힙니다. ※

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Meeting with Korean Studies Scholars 

Tae-Seung LIM

(Sungkyunkwan University)

Q. Hello. Please introduce yourself to the readers of the KSPS Newsletter.

  Hello. My name is Tae-Seung Lim. I currently serve as a professor in the Department of East Asian Studies at the Academy of East Asian Studies, Sungkyunkwan University (SKKU), where I also direct the Institute for Confucian Art and Cultural Content. I completed my undergraduate and master’s studies in the Department of Confucian Studies at SKKU, and received my doctorate in East Asian aesthetics from the Department of Philosophy at Peking University in China. I later conducted research at the Harvard-Yenching Institute and have held teaching positions at East China Normal University and Shandong University in China, among others.

The focus of my research is East Asian aesthetics and the philosophy of art. In particular, I read Chinese and Korean painting and calligraphy from a philosophical perspective, examining the concepts and social conditions through which the aesthetic sensibility and artistic spirit embedded in these works were formed. More recently, alongside tracing the genealogy of traditional aesthetic concepts, I have become interested in using methods from the sociology of art to illuminate the distinctiveness of Korean and East Asian art and the processes by which it has changed.

Q. Your book, A Genealogical Study of the Aesthetic Concepts of Painting in Joseon-Period Painting Theory (조선시대 화론[畫論]의 회화미학개념 계보 연구), has been selected as an Outstanding Scholarly Book by the National Academy of Sciences, Republic of Korea. Congratulations. Could you first share your thoughts on this recognition, along with the background and motivation behind starting this research?

  First, I am grateful that this book was recognized as meaningful. While this is personally a joyful occasion, what means even more to me is that research in a field of basic humanities scholarship that has received relatively little attention—Joseon-period painting theory and East Asian aesthetics—has been recognized for its academic value. This book was produced as part of the Korean Art Series under the Academy of Korean Studies’ Grand Series of Korean Studies program, which is especially meaningful in that it gave me the opportunity to organize research accumulated over a long period into a single, systematic volume.

The starting point for this research was my long-standing work on East Asian aesthetic concepts. I originally specialized in Chinese aesthetics, and for many years I have organized aesthetic concepts and primary source materials from across East Asia. However, the more I studied Joseon painting, the more I came to feel that many aspects could not be explained by looking at the works alone. Joseon literati painters were not simply skilled painters; they were scholars and officials, and in some cases, theorists of painting and critics as well. For them, painting was not merely a means of realistically representing objects, but a vehicle for expressing their philosophy, moral ideals, outlook on life, and spiritual attainment.

This means that in order to properly understand Joseon painting, one must read not only the paintings themselves but also the writings that painters left about painting—namely, painting theory (畫論). Painting theory reveals relatively clearly what was considered good painting, what spirit and character were valued, and what concepts were used to evaluate a work. I therefore thought that by extracting aesthetic concepts from the vast body of Joseon-period painting theory and examining how those concepts were carried forward and transformed over time, I could more accurately reconstruct the spiritual structure underlying Joseon painting. This underlying inquiry was the direct starting point for this research and for writing the book.

Q. In A Genealogical Study of the Aesthetic Concepts of Painting in Joseon-Period Painting Theory, you extracted the various aesthetic concepts that appear in Joseon-period painting theory and examined the connections between these concepts as well as their developmental process. Could you introduce the main content of the research and what you most wanted to clarify through this study?

  What I most wanted to clarify is the question of what aesthetic language people of the Joseon period used to understand and evaluate painting. Existing research on the history of painting has accumulated a great deal of scholarship centered on period, artist, style, genre, and technique. I wanted to add to this the axis of a “history of concepts.” A work of art is a visible form, but it is ultimately the values and concepts shared by the people of the time that give that form its meaning. Tracing changes in aesthetic concepts therefore allows us to see not only changes in the outward appearance of works, but also how the thought and aesthetic sensibility behind them shifted.

To this end, I examined various forms of painting-theory material from the early to the late Joseon period—including collected literary works (文集), colophons (題跋), critical appraisals of painting (畫評), and biographies of painters (畫家傳)—and extracted from them the concepts related to the creation, appreciation, and critical evaluation of painting, including gi 氣 (vital energy), un 韻 (resonance), sin 神 (spirit), myo 妙 (marvelous subtlety), il 逸 (untrammeled transcendence), hyeongsa 形似 (formal likeness), saui 寫意 (expressing intent), jingyeong 眞景 (true-view scenery), munjahyang 文字香 (fragrance of literary learning), seogwongi 書卷氣 (aura of books and learning), gogo 高古 (lofty antiquity), and cheonga 淸雅 (pure elegance). I then examined the meaning of each concept, the context in which it was used, how it changed over time, and its relationship to other concepts.

An important question I considered in this process was whether to view Joseon painting theory as a simple repetition of Chinese painting theory, or as a process of reception and transformation. Joseon literati actively adopted China’s long tradition of literati painting and its aesthetic concepts, but they redeployed these concepts within the political, social, and cultural conditions of Joseon and their own artistic experience. In particular, the late Joseon period saw the emergence of tendencies that valued reality and the actual, such as true-view landscape painting (眞景山水) and genre painting (風俗畵), alongside a simultaneous strengthening of emphasis on the traditional literati spirit, as seen in concepts such as munjahyang 文字香 and seogwongi 書卷氣. Rather than viewing this complex set of currents merely as characteristics of individual artists, I sought to grasp it as the overall landscape of Joseon painting aesthetics, from the perspective of the genealogy and transformation of aesthetic concepts.

Q. In this research, you employed the sociology of art and network analysis as your research methods. Could you tell us why you chose to examine Joseon-period painting and its aesthetic concepts through these methods, and share any new findings that emerged in the course of your research?

   Painting is not created purely through the internal form of the work alone. Who painted it, what kind of education and social status they held, whom they associated with, and within what political, social, and cultural order the work was created and appreciated—all of this influences the character of the art. In particular, the literati-official class (文人士大夫) who led mainstream painting and painting theory in the Joseon period were scholars and officials at once, and simultaneously served as creators, connoisseurs, and critics. Joseon literati art must therefore be viewed not in isolation, but within the social group of the literati and the value system they shared. This is why I made use of the sociology of art.

My reason for introducing network analysis was similar. Aesthetic concepts do not exist in isolation from one another. A range of derivative and related concepts branch out from a single central concept, and particular concepts combine repeatedly with others to form the aesthetic value system of a given era. By organizing the vast body of painting-theory material as data and examining the connections between concepts, one can see more structurally which concepts occupy central positions and which clusters of concepts strengthen or weaken over time. Rather than treating the resulting figures as conclusions in themselves, I used network analysis as an auxiliary tool for discovering patterns of relationship within complex textual material, which could then be reinterpreted historically and philosophically.

An important point I reaffirmed in the course of this research is that Joseon painting aesthetics is difficult to explain by simply dividing it into “the Chinese” and “the Korean.” Even as Joseon deeply absorbed Chinese concepts and painting styles, ongoing processes of selection and transformation continued to take place within Joseon’s realities and its literati society. In addition, the late Joseon period saw the simultaneous strengthening of a reality-oriented current that valued actual landscapes and everyday life, and the traditional literati-painting values of gogo 高古, seogwongi 書卷氣, and munjahyang 文字香. The fact that these two seemingly contradictory currents coexisted within the same era shows that Joseon painting did not develop along a single linear path, but was instead a field in which multiple values intersected and competed.

Q. Through this research, you sought to clarify the prototype and distinctiveness of Korean beauty as it appears in Joseon-period painting, and further, to explore the direction Korean art should take in the world. What distinctiveness and universality of Korean beauty did you identify through this research, and what significance do you think this tradition can hold for Korean art and culture today?

 I do not think it is appropriate to seek the distinctiveness of Korean beauty in some “purely Korean” essence cut off from outside influence. Joseon painting and aesthetics were very deeply influenced by China, and many of their concepts and forms were also transmitted from China. What matters is not only what was received, but within what society and culture it was selected and reinterpreted. In this sense, the distinctiveness of Korean beauty can be understood as something formed through processes of reception and transformation.

A particularly notable feature of Joseon painting is the very close connection between art, personal character, philosophy, and moral cultivation. For literati, painting was not mere decoration or representation, but a symbolic act revealing what kind of person one aspired to become and what kind of life and spiritual state one sought to attain. The practice of embedding one’s intent in landscape paintings or paintings of the Four Gentlemen (四君子), and of expressing inner values and attitudes through metaphor and allusion rather than direct statement, is likewise connected to this view of art. I consider this attitude—which does not separate art from life but links it to the spiritual formation of the individual—to be an important characteristic of Joseon painting aesthetics.

At the same time, this is not limited to Korea alone, but also carries considerable universality. In any society, art develops in relation to that society’s values, institutions, status structures, and worldview, and even as it absorbs outside cultures, it transforms them in its own way. The case of Joseon shows that cultural distinctiveness is not something that arises from isolation, but something that can be formed through exchange and transformation.

I believe this point is also important for Korean art and culture today. Globalization is not achieved simply by repeating the outward motifs of tradition. Rather, lasting strength can be gained by accurately understanding what modes of thought and value systems our art has accumulated, and by transforming them anew into contemporary forms and languages. I think that the global spread of K-Culture and K-Art, too, will ultimately prove more sustainable when it is accompanied both by a deep understanding of one’s own tradition and an open embrace of outside cultures.

Q. Thank you for answering our questions. In closing, please share a word with the newsletter’s readers and Korean Studies researchers and students both in Korea and abroad.

  I believe Korean Studies can be understood in a far more nuanced way when art and aesthetic sensibility are examined alongside literature, history, and philosophy. Even a single painting contains within it the philosophy, social institutions, human relationships, and international exchange of its era, as well as the standards of beauty that people held at the time. In that sense, art-historical materials and texts such as painting theory are important sources for Korean Studies, yet there remains considerable room for them to be put to further use.

I hope this book will serve not as a finished conclusion, but as a foundational resource and methodological example for future research. Just as I extracted aesthetic material from a vast body of painting theory, I hope that other researchers will in the future be able to find new questions related to institutional history, social history, literary history, and cultural history within the same materials. I hope that researchers in Korea and abroad will continue to actively connect methods from different disciplines and to keep reading traditional materials anew through the questions of today. I also hope that steady interest and support will continue for pure humanities scholarship and basic research in Korean Studies, fields that require long-term accumulation to bear fruit. Thank you.

※ The views expressed in this article are those of the author

and do not necessarily reflect the official position of the Academy of Korean Studies (AKS) ※